Rezension zu „Fun Home at the Gate Theater“.

Róisín McBrinns Wiederaufnahme der mit dem Tony Award ausgezeichneten Show läuft bis zum 26. August in Dublin

Ein wirklich großartiges Musical kann einer Vielzahl von Interpretationen standhalten (denken Sie an Sondheim und den Kanon von Rodgers und Hammerstein), und der schrullige, aber beißende moderne Klassiker von Jeanine Tesori und Lisa Kron verdient diese Beschreibung zweifellos. Róisín McBrinns atemberaubendes „Fun Home“ für das Gate Theatre in Dublin könnte sich kaum stärker von Sam Golds Originalversionen in New York und London unterscheiden, abgesehen von einigen visuellen Entscheidungen, die Alison Bechdel in ihrer autobiografischen Graphic Novel diktiert hat, auf der dieses von Olivier nominierte und Tony-prämierte Beste Musical basiert basiert, ist ihnen aber in jeder Hinsicht ebenbürtig. Diese neue Produktion beeindruckt mit dem gleichen Gefühl erschütternder Katharsis und erlesener Reue.

Die bildende Künstlerin Alison Bechdel wuchs mit dem Verdacht auf, dass ihr Vater Bruce – ein Lehrer, ein Ästhet und ein Bestattungsunternehmer – schwul sei, was sich jedoch bestätigte, als er sich wenige Monate nach ihrem Coming-Out das Leben nahm und sie sie beging unkonventionelle Familiengeschichte zu einem Bildroman, der teils Exorzismus, teils Erkundung ist. Der Titel ist der scherzhafte Name, den die Bechdels dem Familienunternehmen gaben (Bestattungsinstitut = Spaßheim). Krons schönes Drehbuch zeigt Alison in dreifacher Ausfertigung: die ältere Frau, hier gespielt von Frances McNamee, eine Künstlerin, die an ihrem Zeichentisch sitzt und Bilder und Figuren aus ihrer beschädigten Vergangenheit heraufbeschwört, und die Studentin (Orla Scally), die voller Freude die Liebe und ihre eigene Sexualität entdeckt zum ersten Mal und das Kind, überschwänglich, aber wachsam (Chloe Cody bei der Aufführung, die ich gesehen habe, aber die Rolle wird abwechselnd von Jodi Kaye gespielt). Es ist ein nettes, dramaturgisch zufriedenstellendes Konzept, das fast unerträglich ergreifend wird, wenn die drei interagieren, wie in „Flying Away“, dem leuchtenden, befreienden Finale.

Tesori hat die Musik zu drei der größten amerikanischen Musiktheatermusiken der letzten zwanzig Jahre geliefert (die anderen sind Caroline oder Change und die aktuelle Broadway-Triumpherin Kimberly Akimbo), und ihre Arbeit ist so vielseitig im Einklang mit den Anforderungen von Situation, Charakter und Zeitspanne, in der es fast nicht die Anerkennung erhält, die es verdient. „Fun Home“ greift die TV-Themen der 1970er-Jahre auf, mit denen Bechdel aufgewachsen ist, mischt sie mit Folk und Pop und befruchtet sie dann mit einer lyrischen Schönheit und Schärfe, die an Sondheim in seiner interessantesten Form erinnert. Krons Texte und Buch machen den Übergang zwischen Sprache und Gesang kaum spürbar. Sie sind witzig, pointiert und herzlich. Ein Grundsatz guten Musiktheater-Schreibens besagt, dass Charaktere in Lieder ausbrechen, wenn sie keine andere Möglichkeit haben, sich auszudrücken, und Fun Home ist ein Paradebeispiel dafür. Die Partitur hat einen epischen Schwung, gepaart mit einer entzückenden Spezifität und manchmal einer liebenswerten Kuriosität, wenn wir einen Blick in diese Leben werfen; Es ist fast ein Musical für Leute, die glauben, Musicals nicht zu mögen.

Die visuelle Ästhetik besteht darin, dass die leere Leinwand eines Künstlers auf ein Grab trifft, auf Paul Wills‘ blassem, impressionistischem Bühnenbild, das in regelmäßigen Abständen durch die Einführung realistischer Möbel und Requisiten, darunter an einer Stelle eines echten Sargs, in der Realität verwurzelt ist. Wir erhalten nicht die außergewöhnliche Enthüllung des Hauses, die ursprünglich so aufregend war, aber diese Version ist so klar und eindringlich, dass es sich nicht wie ein großer Verlust anfühlt. Auf der breiten, aber flachen Bühne des Gate ist McBrinns Inszenierung grandios, aber intim, durchdrungen von einer fesselnden, traumhaften Qualität. Die großartige fünfköpfige Band von David Hayes schwebt über dem Geschehen und der einzige Makel ist, dass die Akustik manchmal etwas gedämpft ist.

Das Casting ist Weltklasse. McNamees Stimme hat eine volkstümliche Süße, die wie ein Samthandschuh zu dieser Partitur passt, sich aber in Momenten extremer Not in eine Brechtsche Härte verwandeln kann. Ihr Schauspiel ist großzügig und lässt ihre Mitdarsteller glänzen, während sie sich durch die Hölle begibt und sich an vergangene Traumata erinnert. Sie ist überall gleichzeitig und doch völlig unauffällig. Es ist eine stille, atemberaubende Darbietung, die noch lange nach der Show nachhallt.

„Small Alison“ von Chloe Cody vermittelt auf herzzerreißende Weise die ernsthafte Wachsamkeit eines Kindes, das viel mehr gesehen hat, als ein Mensch in so wenigen Jahren jemals sehen sollte, und sie bringt die ikonische Nummer „Ring of Keys“ auf den Punkt, in der das kleine Mädchen eine Ahnung von ihrer authentischen Natur bekommt („Warum bin ich der Einzige, der sieht, dass du schön bist? Nein, ich meine … gutaussehend“).

Die mittlere Alison ist vielleicht die am wenigsten schwierige Rolle, da sie ihre Gefühle aus erster Hand erleben kann, ohne den Anstrich von Erinnerungen oder Kindheit, aber Scally ist einfach wunderbar, so offen und verwirrt, dann entzückt, bevor sie unmerklich härter wird, als sie sie erkennt Ihr eigenes Überleben hängt möglicherweise davon ab, einen Schleier über ihr schwieriges Familienleben zu ziehen. Als Joan, die rebellische Studentin, die Alisons erste Liebe wird, ist Jade Kennedy freche Perfektion und suggeriert sowohl einen sicheren Hafen als auch eine unwiderstehlich reife Sexualität. Das überladene „Changing My Major to Joan“, gesungen von Alison in einem Zustand postkoitaler Freude („Ich wechsle mein Hauptfach zu Joan, mit einem Nebenfach in Kissing Joan, Foreign Study zu Joans Innenseiten“), kommt selten vor machte so viel Sinn.

Nichola McEvillys unwillige Matriarchin Helen ist eine faszinierende Schöpfung. Offensichtlicher unkonventionell als ihre Vorgängerinnen in der Rolle (die Figur ist eine Schauspielerin im Ruhestand), nutzt sie Künstlichkeit als Bewältigungsstrategie und wirkt dabei wie eine amerikanische Version einer feigen Hauptdarstellerin, obwohl sie in Wirklichkeit eher wie Mrs. Alving aus Ghosts ist . Sie ist spröder und glamouröser, weniger resigniert. Es ist eine überzeugende, berechtigte Wahl, und wenn das bedeutet, dass sich ihr großes Solo „Days and Days“ weniger wie die cri de cœur 11-Uhr-Nummer anfühlt, die es in den Händen von Judy Kuhn und Jenna Russell hatte, ist es unmöglich, den Blick davon abzuwenden ihr.

Killian Donnelly liefert in einer Leistung, die völlig frei von Eitelkeit ist, ein Karriere-Höhepunktwerk ab, wobei er sein schneidiges Charisma als Hauptdarsteller und seinen charakteristischen, klangvollen Tenor im Dienst einer der problematischsten Hauptrollen im gesamten Musiktheater fest im Zaum hält. Donnelly verleiht Bruce eine kindliche Qualität, die auf eine Seele hindeutet, die dauerhaft an eine frühere Version seiner selbst gebunden ist, eine, in der ein authentisches schwules Leben eine Möglichkeit hätte sein sollen. Das macht seine Verführung deutlich jüngerer, ja minderjähriger Männer zwar nicht schmackhafter, aber zumindest nachvollziehbar und verdeutlicht zugleich die Ursache seiner beunruhigenden, glühenden Wutausbrüche. Er steht im Widerspruch zu sich selbst und seiner Familie, und das Gespür eines Mannes, der bei der Restaurierung von Artefakten und Antiquitäten akribische Strenge und Präzision anwendet, um sein chaotisches und düsteres Innenleben zu verbergen, ist sehr deutlich zu spüren. Endlich kann er seine Stimme in „Edges of the World“ entfesseln, der Heul-der-Not-Arie, die Bruce kurz vor seinem Selbstmord singt, und sie ist niederschmetternd.

Wie die verschiedenen Männer, die von Bruce verführt und fasziniert werden, ist Riain Cash so vielseitig, dass ich mein Programm überprüfen musste, um sicherzustellen, dass sie nicht mehrere Schauspieler besetzt hatten, und es gibt großartige Arbeit von Trystan Rhys Bruen und Ethan O'Connor (die sich mit Seán abwechseln). O'Callaghan und Harley Cullen Walsh) als Alisons jüngere Brüder.

Dies ist ein Großereignis, und die Legionen von Bewunderern im Vereinigten Königreich, die immer noch darüber trauern, dass die brillante (und ausverkaufte) Young Vic-Produktion von 2018 nie den verdienten West End-Transfer erhalten hat, müssen sich umgehend nach Dublin begeben. Es ist bemerkenswert, wie sich etwas so unermüdlich Trauriges als so völlig und äußerst berauschend erweisen kann, mit diesem Lichtstrahl, der die dunkleren Winkel der menschlichen Seele erhellt, und der göttlichen Würze von Künstlern auf der Höhe ihres Könnens. Ein wunderschöner Bauchschlag eines Musicals, atemberaubend neu gemacht; Ich habe jede schmerzhafte, tränenüberströmte Sekunde davon genossen.