Traditionelle koreanische Kleidungsstücke inspirieren die Heimkehr eines Designers

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Für eine Ausstellung bei Arumjigi, einer gemeinnützigen Organisation, die sich für den Schutz des koreanischen Erbes einsetzt, kreierte die in Seoul geborene Christina Kim neue Stücke, die auf klassischen Designs basieren.

Von Andrew Russeth

Berichterstattung aus Seoul

An einem verregneten Nachmittag vor kurzem stand die in Los Angeles lebende Modedesignerin Christina Kim in einem traditionellen koreanischen Haus und zeigte aufgeregt auf Details eleganter weißer Kleidungsstücke, die um sie herum schwebten und auf Kleiderbügeln hingen, die an schwarzen Bambusstangen nahe der Holzdecke befestigt waren .

Es handelte sich um Jeogori – die mit Ärmeln versehene Oberschicht des Hanbok, der Bezeichnung für traditionelle koreanische Kleidung –, die durch Kopien von Stücken aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts hergestellt wurde, da sich ihre Form mit der Zeit veränderte.

„Ich dachte, es wäre wirklich wunderbar, den Fortschritt zu sehen“, sagte Frau Kim, die sich für einige davon leichte Änderungen ausgedacht hatte. Um 1920 sei ein westlicher Einfluss erkennbar geworden, sagte sie und deutete auf ein Kleidungsstück mit rundem Ausschnitt, dessen Körper sie verlängert hatte. „Das sieht aus wie eine Chanel-Jacke!“ sagte sie lachend.

Die Ausstellung erinnert sowohl an einen Modeschauraum als auch an eine Kunstinstallation und ist Teil einer Ausstellung mit dem Titel „Blurring Boundaries: Hanbok Revisited“, die Frau Kim am Samstag in der Arumjigi Culture Keepers Foundation eröffnet. Die vielseitige gemeinnützige Stiftung wurde 2001 gegründet, um die traditionelle koreanische Kultur nach Zeiten der Vernachlässigung und Unterdrückung, wie beispielsweise während der brutalen Kolonialisierung Japans, zu schützen und zu verbreiten.

Die Show ist eine Art Heimkehr für Frau Kim, die 1957 in Seoul geboren wurde und mit 15 Jahren in die USA ging, um bei ihrer Mutter Vivian in Los Angeles zu sein. Sie ging an die University of Washington, wo sie von dem Maler Jacob Lawrence betreut wurde. Er ermutigte sie, in Italien Freskenmalerei zu studieren, und von dort aus fand sie ihren Weg zur Mode.

1984 gründete sie zusammen mit ihrer Mutter ein Label. Sie nannten es Dosa (der Spitzname von Frau Kims Mutter, was auf Koreanisch „Salbei“ bedeutet). Sie suchte nach Naturmaterialien und Kunsthandwerkern, um mit ihnen auf der ganzen Welt zusammenzuarbeiten, und konzentrierte sich auf Nachhaltigkeit, indem sie Reste für zukünftige Projekte aufhob (einige davon wurden bei Arumjigi zu Schals) oder sie in kompakte Amulette verwandelte. Dosa ist das Gegenteil von Fast Fashion und hat eine begeisterte Anhängerschaft.

Frau Kim war zu verschiedenen Zeitpunkten zurück in Südkorea, aber dies ist ihre erste Einzelausstellung im Land, und sie dachte wie „jemand, der 50 Jahre weit weg verbracht hat“, sagte sie. „Was teilen Sie mit Ihren Landsleuten?“ Ihre Antwort ist von ihrer persönlichen Geschichte und der koreanischen Geschichte geprägt und umfasst Dutzende neuer Stücke, die von traditionellen Kleidungsstücken inspiriert sind.

Eines davon ist ein Ensemble mit einem leuchtend mintfarbenen Gewand, das, wie sie sagte, „für meine Großmutter“ ist, die von der Insel Jeju im Süden der koreanischen Halbinsel stammt.

„Ich liebe die Farbe der Welle, wenn sie in Seogwipo bricht“, sagte sie. „Dort kommt meine Familie her. Es gibt viele Algen, eine Art Algenfarbe.“ Ein weißes Unterkleid unter der Robe basiere auf einem Entwurf für Unterwäsche, den ihre Großmutter entworfen habe, sagte sie. „Ich habe es genau kopiert.“

Arumjigi wurde gegründet, um genau diese Art von Veranstaltung zu veranstalten. Gegründet von der Philanthropin Yun Gyun S. Hong, der Vorsitzenden der Organisation, beauftragt sie Designer, neue Sichtweisen auf die Vergangenheit zu bieten, und organisiert in ihrem eleganten vierstöckigen Hauptquartier etwas außerhalb eine jährliche Ausstellung über koreanische Kleidung, Lebensräume oder Essen Steinmauern von Gyeongbokgung, dem größten der fünf Königspaläste Seouls.

Das traditionelle Haus, ein Hanok mit Ziegeldach, in dem heute einige von Frau Kims Shows gezeigt werden, befindet sich im zweiten Stock des modernen Gebäudes und ist ein Beispiel für Arumjigis Bemühungen, Tradition in die Gegenwart zu bringen. (Arumjigi übersetzt seinen Namen als „Menschen, die unsere schöne Kultur bewahren und pflegen.“)

Zu seinen ersten Bemühungen gehörten die Reinigung von Palästen in Seoul und die Renovierung traditioneller Häuser in der Stadt und auf dem Land. „Vor zwanzig Jahren wollte jeder den Hanok abreißen“, sagte Ji Hye Shin, der Direktor von Arumjigi. Stattdessen wollte die Stiftung „den Menschen zeigen, wie man Hanok praktischer nutzt“, indem sie einige moderne Akzente setzte. Solche Residenzen sind in den vergangenen Jahren vor dem Hintergrund eines erneuten Interesses an der koreanischen Vergangenheit zu immer beliebter werdenden Touristenattraktionen geworden.

Arumjigi ist außerdem Berater bei verschiedenen Kulturerbeprojekten und war 2017 Mitorganisator einer Ausstellung koreanischer Mode im Asian Art Museum in San Francisco.

Abgesehen von bestimmten besonderen Anlässen wird der Hanbok heute nicht regelmäßig getragen, aber die Chefkuratorin von Arumjigi, Soyeun Kim, sagte, sie wolle den Leuten zeigen, dass die Kleidung „keine schwierige Sache“ sei.

„Es ist einfach zu tragen, überall, jederzeit und wann immer wir wollen.“

Um einige ihrer neuen Stücke zu kreieren, arbeitete Frau Kim mit Kunsthandwerkern von Arumjigis Schwesterorganisation Onjium („Auf die richtige Art und Weise schaffen“) zusammen, einem Forschungsinstitut, das sich auch auf traditionelle koreanische Kleidung, Wohnen und Essen konzentriert, und untersuchte, wie sie hergestellt wurden in der Vergangenheit und bei der Herstellung neuer Produkte. (Das Institut betreibt auch ein gleichnamiges Restaurant mit einem Michelin-Stern.)

„Ich habe nicht die nötigen Fähigkeiten, um auf traditionelle Weise zuzubereiten“, sagte sie. Frau Kim und die Kunsthandwerker arbeiteten gemeinsam an den hängenden Jeogori.

Für Knöpfe wandte sich Frau Kim an den Keramiker Inchin Lee, der schon bei Arumjigi ausgestellt hat; Er steuerte auch Porzellan bei, dessen ruhiges Weiß an die Stoffe einiger ihrer Kleidungsstücke erinnert. „Korea ist aufgrund der Tradition unserer Vorfahren sehr stark im Handwerk“, sagte Herr Lee in einem Telefoninterview. „Ich denke, es ist fast unmöglich, die gleiche Qualität der Arbeit zu erzielen, aber ich denke, dass wir etwas tun können, das über die Tradition hinausgeht.“ Arumjigi, sagte er, „behielt, was für uns wichtig ist.“

In Südkorea ist die Wissenschaft über historische Kleidung an Universitäten „in den letzten 30 Jahren stark zurückgegangen“, sagte Minjee Kim, eine unabhängige Wissenschaftlerin für koreanische Textilien und Mode in der San Francisco Bay Area. In „einigen Aspekten“, sagte Dr. Kim, „füllt Arumjigi diese Lücke“, aber sie sagte, dass der Schwerpunkt größtenteils auf technischer Ebene geblieben sei und dass ein interdisziplinärerer Ansatz verfolgt werden sollte.

„Blurring Boundaries“ enthält Hinweise auf die vielen Bedrohungen, denen Koreas Erbe ausgesetzt war. Schwarzweißaufnahmen, die Robert Garfias, ein Ethnomusikologe, in den 1960er Jahren aufgenommen hat, zeigen einen überlebenden Hoftänzer der Joseon-Dynastie, dessen 500-jährige Herrschaft 1910 mit der Kolonialisierung Japans endete, die ihrerseits durch den Zweiten Weltkrieg endete. In einem Raum daneben gibt es eine Diashow mit Fotografien von Han Youngsoo über das tägliche Leben in Seoul seit den 1950er Jahren, als es sich vom Koreakrieg erholte.

Beim Betrachten dieser Folien erklärte Christina Kim, dass die Art und Weise, wie koreanische Frauen beim schnellen Gehen einen Teil ihres Rocks anheben und halten, sie dazu veranlasste, ihren Wickelrock „Eungie“ anzufertigen. Es ist nach Eugie Joo benannt, der Kuratorin und Leiterin für zeitgenössische Kunst des San Francisco Museum of Modern Art, die einen Miao-Rock aus China hatte, dessen Form sie zu seinem Design führte. Frau Kim hat aus mehreren davon im Treppenhaus von Arumjigi eine Säule gebaut, eine wilde Spirale aus Texturen und Farben, die sie mit dem Minarett der Großen Moschee von Samarra im Irak verglich.

Frau Joo war Dosa-Kundin, bevor sie Frau Kim traf, und sagte in einem Interview, die Designerin sei „eine Kollegin, ältere Schwester, kreative Denkerin und dieses großartige Vorbild.“ Als sie 2016 eine große öffentliche Kunstausstellung in Anyang südlich von Seoul organisierte, beauftragte sie Frau Kim mit der Gestaltung einer Installation aus Kissen und Westen für Dozenten. Sie habe „schon vor allen anderen ökologisch über Abfälle und Recycling nachgedacht“, sagte Frau Joo.

Nachdem sie damals in Seoul aufgewachsen war, sagte Frau Kim, sie habe das Gefühl gehabt, Teil einer „Kultur zu sein, die aus dem Nichtbesitz entstanden ist“. Sie lebte in einem Hanok mit Lehmboden und holte Wasser bei ihrer Großmutter in einem nahegelegenen Park.

„Ich habe gelernt, wie man Dinge mit Resten macht, oder? In jeder Lebensform“, sagte sie. „Und dann ist das Reisen um die Welt, das ich mehr liebe als alles andere, wirklich die Suche nach Ressourcen und wie maximiert man die Ressourcen?“

Während sie durch ihre Ausstellung spazierte, erzählte Frau Kim Geschichten darüber, wie sie verschiedene Materialien gefunden hatte, und sprach von Ringelblumenblüten und getrockneten Granatapfelschalen, die für Farbe sorgten; Stoffe, die sie in Kambodscha, Myanmar und Indien entwickelte; und Papier aus Agaven in Oaxaca, Mexiko – eine Ausstellung als Memoiren.

Wie war es für Sie, jetzt wieder in Südkorea zu sein? Frau Kim dachte einen Moment nach und erinnerte sich daran, was ein Industriedesigner, der an der Show gearbeitet hatte, Jongbuhm Kim, ihr erzählt hatte. „Ich bin wie ein Lachs“, sagte sie. „Ich wurde im Fluss geboren, bin zum Meer geschwommen und komme zurück.“