Die Grammys

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Einige Kritiker betrachten „Goats Head Soup“ als den Beginn des Niedergangs der Stones. Aber Erschöpfung erwies sich als eine der befriedigendsten Stimmungen der Stones.

Energetisch gesehen ist der Lauf der Rolling Stones in den 1970er-Jahren so etwas wie eine umgekehrte Parabel – es geht nach oben und dann nach unten.

Nach dem auf Akustik ausgerichteten Beggars Banquet von 1968 – im Grunde genommen ihr Led Zeppelin III – und dem bluesdurchfluteten Let it Bleed von 1969 begannen die Stones richtig zu brennen. Das glorreich dekadente Sticky Fingers von 1971 war der letzte Vorgeschmack auf ihr umstrittenes Meisterwerk: das darauffolgende Jahr Exile on Main St.

Auf vier fetten Seiten gingen die Stones von ausgelassenem, zerzaustem Spaß zu Schmerz und Sehnsucht im Stil eines Sonntagmorgens über: Es scheint die Gesamtheit der Kunst der Glimmer Twins im Mikrokosmos zu enthalten.

Da „Exile on Main St.“ eine solch gewaltige Errungenschaft war, fragt man sich natürlich, ob das, was folgte, ein Abschwung war. Da kommt Goats Head Soup ins Spiel, der Nachfolger von 1973, der heute 50 Jahre alt wird.

Goats Head Soup ist klumpig und wellig und vor allem als das Album bekannt, das uns ihre Nr. 1-Ballade „Angie“ bescherte; „Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)“ schaffte es ebenfalls in die Top 20 der Hot 100. Im Großen und Ganzen ist es ein elliptisches, verschwommenes Hörerlebnis – wie der verstreute Schutt der Exile on Main St.-Sessions, der zu einem humpelnden Automaten zusammengewachsen ist.

Es gibt weder „Street Fighting Man“, noch „Gimme Shelter“ oder „Brown Sugar“. Stattdessen bekommen wir das kriechende „Dancing With Mr. D“, das hundemüde „Coming Down Again“ und das zitternde „Star Star“. Mehr als fast jedes andere Stones-Album ist „Goats Head Soup“ ein eigenes Universum.

Im Guten wie im Schlechten steckt Goats Head Soup im ersten Gang fest. Aber für Stones-Fans, die auf eine bestimmte Art und Weise verkabelt sind, ist das ein Feature und kein Fehler.

Wenn die Stones erschöpft klingen, ist das ein Stones, den es wert ist, genossen zu werden. Und trotz einiger mittelmäßiger zeitgenössischer Kritiken begann dieser schöne Niedergang mit Goats Head Soup. Hier sind 10 Gründe, warum Sie diese sui generis Stones-Platte ausprobieren sollten.

Von Keith Richards‘ köstlich bedrohlichem Eröffnungsriff an, erweist sich „Dancing With Mr. D“, dass es im Katalog der Stones so gut wie kein Analogon gibt.

„Ja, unten auf dem Friedhof, wo wir unser Stelldichein haben/ Die Luft riecht süß, die Luft riecht krank/ Er lächelt nie, sein Mund verzieht sich nur“, stottert Mick Jagger. „Der Atem in meiner Lunge fühlt sich klebrig und dick an. Die Handflächen sind feucht und feucht.“

Steht die Initiale von Herrn D. für den Tod? Für den Teufel? Wie dem auch sei, Jagger gönnt sich einen makabren Spaß.

Die Stones-Songs von Keith Richards strahlen eine gewisse, unvergessliche Ermüdung aus, und „Coming Down Again“ ist so etwas wie ein niedergeschlagenes Meisterwerk.

Bevor Sie fragen: Ja, es geht um Drogen – das sind schließlich die Stones in den 70ern. Aber wenn man die Junkie-Mythologie außer Acht lässt, ist es einfach ein Ding von windgepeitschter, kopfüber hängender Schönheit.

In den Jahren nach den Ereignissen der Dokumentation „Get Back“ der Beatles war Keyboarder Billy Preston als Session-Katze gefragt: Er erschien auf Soloalben von drei von vier Beatles sowie auf denen von Sly and the Family Stone, Joe Cocker, und – ja – die Stones.

Preston war zuvor in Sticky Fingers und Exile on Main St. aufgetreten; Bei „100 Years Ago“ spielt er inspiriertes Clavinet, und bei „Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)“ verdoppelt er das Clavinet mit dem Klavier. Apropos…

Trotz seines erhöhten Tempos rockt „Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)“ nicht gerade; es brodelt und schwebt.

Textlich präsentiert es Spiegelbeispiele städtischer Tragödien: einen jungen Mann, der von der Polizei erschossen wurde, weil er sich verwechselt hat, und ein zehnjähriges Mädchen, das in einer Gasse eine Sexualdelikte erleidet. Aber ein aus den Schlagzeilen gerissener Story-Song im „Hurricane“-Stil ist es nicht.

Jahrzehnte später verneinte Jagger jegliche konkrete Inspiration aus der realen Welt und beschrieb es als „New York als einen gewalttätigen Ort. Amerika als einen hartnäckigen Polizeistaat.“

„Wir können 100 Jahre zurückgehen und es ist wahrscheinlich noch schwerer“, fuhr Jagger fort. „Offensichtlich war es vor all der Zeit an vielen Stellen schwer, jetzt schwer und früher schwer.“

Wer ist Angie? Ist es Angela Bowie? Marianne Faithfull?

Diesen Vortrag kann man getrost in die Rockgeschichten-Archive verbannen, denn es ist nebensächlich: „Angie“ ist einfach ein wunderschöner Song. (Obwohl Ihr Kilometerstand je nach Jaggers Flüstern variieren kann.)

Für eine fachmännische Einschätzung dessen, was diese majestätische – und überaus beliebte – Single ausmacht, sehen Sie sich Rick Beatos analytisches YouTube-Video zu „What Makes This Song Great?“ an. Serie.

Ja, wir kommen wegen Übermut und Tapferkeit zu den Stones, aber es ist wohl noch interessanter, wenn diese Qualitäten ihren Glanz verlieren.

Nehmen Sie zwei der geilsten Schnitte: „Silver Train“ handelt von einer Prostituierten; „Star Star“ handelt von einem Groupie. Aber anstatt übertrieben zu klingen, klingen sie zerbrechlich, als wäre Machismo ein altes Kostüm, das ihnen in diesem Moment nicht passte.

Als Beatles-Remixer fiel Giles Martin nicht weit vom Stamm; Sein Vater war natürlich der legendäre Fabs-Produzent George Martin.

Nachdem er sich bei Sgt. einen Namen gemacht hatte. Pepper's, Abbey Road und dergleichen hat Martin begonnen, mit anderen Lagern zusammenzuarbeiten – den Stones eingeschlossen.

Sein Remix von Goats Head Soup aus dem Jahr 2020 wischt den Schmutz weg und enthüllt sein verletzliches, herbstliches Herz. Tatsächlich war dieser Eintopf trotz seines Rufs als gemischtes Gericht noch nie so schmackhaft.

„10 Reasons Why Get A Grip“ ist das kultigste Album von Aerosmith

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Feiern Sie den Record Store Day am 22. April, indem Sie sich in Ihrem teilnehmenden Plattenladen vor Ort mit neuen, exklusiven LPs von Taylor Swift, Björk, den Rolling Stones und anderen eindecken.

Von Post Malone bis hin zu Peppa Pig-Vinyls – Plattenläden auf der ganzen Welt decken sich mit limitierten Exklusivveröffentlichungen für den Record Store Day 2023 ein.

Die Veranstaltung findet seit 2007 jedes Jahr im April statt und würdigt unabhängige Plattenläden und die Einheit von Fans und Künstlern. In diesem Jahr werden viele Geschäfte weltweit am 22. April mehr als 300 limitierte, exklusive Platten von Rock über Jazz bis hin zu Rap begrüßen.

Mit ehemaligen offiziellen Botschaftern wie Taylor Swift, Metallica, Ozzy Osbourne, Jack White, Chuck D und St. Vincent feiert der Record Store Day Musik aller Genres. Und genau das ist bei der diesjährigen Reihe an Sonderveröffentlichungen der Fall, die von Miles Davis bis Beach House reicht.

Zu Ehren des Record Store Day 2023 können Sie sich auf diese 10 limitierten, exklusiven Veröffentlichungen freuen, die in Ihrem teilnehmenden Geschäft vor Ort erhältlich sind.

Als offizielle Botschafter des Record Store Day UK in diesem Jahr entführen uns die 1975 mit ihrer zweiten LP „I like it when you sleep, for you are so beautiful, but so ahnungslos davon“ zurück ins Jahr 2016 – dieses Mal zusammen mit dem BBC Philharmonic Orchester. Diese Orchesterversion des zweiten Studioalbums der britischen Rockband ist erstmals auf doppelklarem Vinyl erhältlich und enthält auch eine Version ihres Breakout-Hits „Chocolate“.

Das Album „On the Corner“ von Miles Davis feierte im vergangenen Oktober seinen 50. Geburtstag, und am Record Store Day erhält seine Innovation eine weitere Wendung. Dieses himmelblaue Vinyl mit dem Titel „Turnaround“ enthält vier Ausschnitte aus dem erweiterten Album „The Complete On The Corner Sessions“ von 2007 und bietet außerdem Auftritte von Herbie Hancock, Dave Liebman und Bennie Maupin.

Füllen Sie Ihre Plattensammlung mit etwas Flora und Fauna – natürliche, exzentrische scharlachrote und grüne Muster zieren jede Vinylhülle von Björks exklusiven The Fossora-Remixen. Die Veröffentlichung enthält zwei dynamische Songs: A1 Ovule featuring Shygirl (Sega Bodega-Remix) und A2 Atopos (Nebenprojekt-Remix).

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Vierzehn Monate nachdem das psychedelische Pop-Duo Beach House sein achtes Studioalbum „Once Twice Melody“ vorgestellt hat, setzen sie die Geschichte mit einer neuen EP fort. Das Fünf-Song-Projekt mit dem Titel „Become“, das am Record Store Day auf kristallklarem Vinyl erhältlich ist, enthält fünf bisher unveröffentlichte Songs ihrer LP aus dem Jahr 2022.

Vor etwas mehr als 20 Jahren gab Nas einen spektakulären Auftritt in der Webster Hall in New York City und festigte damit seinen Status als Legende des Ostküsten-Hip-Hops weiter. Das temperamentvolle Konzert mit 20 Liedern erscheint nun zum ersten Mal auf Vinyl, wobei das bekannte Artwork an die ursprüngliche DVD-Veröffentlichung aus dem Jahr 2003 erinnert.

Mehr als sechs Jahrzehnte nach Beginn ihrer Karriere beteiligt sich Dolly Parton am Record Store Day mit einer Feier ihrer frühen Jahre. Die remasterten Singles der Country-Legende aus den 1960er-Jahren kommen in die Regale der Plattenläden, und die besondere Erstausgabesammlung enthält auch Linernotes der zweifachen GRAMMY-Nominierten Holly George-Warren.

Während die Rolling Stones auf „Salt Of The Earth“ von „einer wirbelnden Masse aus Grau, Blau, Schwarz und Weiß“ sangen, wird die kommende limitierte Vinylplatte der Rockband für Beggars Banquet mit einem Wirbelmuster aus denselben vier Farben bedruckt sein Tribut. Auf „Beggars Banquet“ verbindet die Gruppe klassischen Rock mit ihren Blues-Wurzeln, und auf der Vinylplatte ihres von der Kritik gefeierten Albums aus dem Jahr 1968 sind das Original-Artwork und das Schaufensterplakat zu sehen.

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Im September 2020 wurde Taylor Swifts GRAMMY-prämiertes Album „Folklore“ im New Yorker Long Pond Studio mit zwei der engsten Mitarbeiter der Sängerin, Aaron Dessner (The National) und Jack Antonoff (Fun./Bleachers), neu interpretiert. Und im November dieses Jahres konnten die Fans diese Sessions in einer Disney+-Dokumentation miterleben. Jetzt, mehr als zwei Jahre später, sind die akustischen Studiosessions des ruhigen Albums zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich, einschließlich vier Seiten und dem Bonustrack „The Lakes“.

Die Erinnerung an ODB lebt in der Vinyl-Neuveröffentlichung seines legendären Debütalbums von 1995, Return to the 36 Chambers: The Dirty Version, weiter. Mit den 2020-Remasters von 15 Titeln ist dieser Drop die erste posthume Veröffentlichung von ODB seit 2011, aber nicht das erste Mal, dass Fans seitdem seine Stimme hören: SZAs SOS-Track „Forgiveless“ endet mit einer bisher unveröffentlichten Strophe des verstorbenen Rappers.

Dieses Jahr markiert den 40. Jahrestag von Donna Summers bedeutsamer Hard For The Money Tour. Diese exklusive Vinyl-Schallplatte feiert die Queen of Disco in all ihrer Pracht und fängt ihr Live-Konzert im Pacific Amphitheatre von Costa Mesa im August 1983 ein. Die Vinyl-Schallplatte bietet Auftritte der besonderen Gäste Musical Youth, ihrer Schwestern Dara und Mary Ellen und ihrer ältesten Tochter Mimi.

Die Vinyl-Knappheit erklärt: Wie lange Wartezeiten, teure Materialien und eine hohe Nachfrage die Inhalte auf Ihrem Plattenspieler verändern

Bob Dylan

Foto: Deborah Feingold | Mit freundlicher Genehmigung von Sony Music Entertainment

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Die aufschlussreiche neue Box „Springtime In New York“ beweist, dass Bob Dylan in den 80er Jahren immer noch eine Naturgewalt war. Es lohnt sich, das Schaffen anderer klassischer Rockkünstler während des rockigen Jahrzehnts noch einmal zu betrachten.

Woran denken Sie, wenn Sie an Künstler der 1960er-Jahre in den 80er-Jahren denken? Angeschwemmt, treibend, verloren in einem Meer neuer Technologien? Du bist nicht allein -Bob Dylanbezeichnete sich selbst in seinen Memoiren Chronicles aus dem Jahr 2004 als solchen.

„Ich war nicht wirklich vom Tatort verschwunden, aber die Straße war schmaler geworden“, schrieb er. „In mir selbst gab es eine vermisste Person und ich musste sie finden.“ (Er nennt sich selbst auch „beruflich beschönigt und ausgelaugt“ und „im bodenlosen Abgrund des kulturellen Vergessens“.)

Das kommt von dem Kerl, der uns in diesem Jahrzehnt „Every Grain of Sand“, „Jokerman“ und „Blind Willie McTell“ bescherte, bei Konzerten den wildäugigen christlichen Prediger-Modus an den Tag legte und mit „Late Night With“ das Universum zerstörte David Letterman“ unterstützt von der feurigen Punkband The Plugz. Wie auch immer sein innerer Zustand zu dieser Zeit sein mochte, er verkaufte sein kreatives Schaffen unter Wert.

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Dieser Verdacht – oder diese Überzeugung –, die wahre Dylan-Chefs schon immer hatten, ist jetzt die Wahrheit des Evangeliums. „Springtime in New York“, ein Sammelsurium mit fünf CDs, das im September erschien, verzichtet auf die manchmal überhebliche Produktion von Alben wie „Empire Burlesque“ und enthüllt ihre Kernkomponenten: Dylan inmitten eines spirituellen Erwachens, unterstützt von Killer-Begleitern wie „The“.Dire Straits'mark Knopfler.

Also wurde Dylan ein Rettungsfloß aus den 80er Jahren geschenkt, ein Jahrzehnt, das für ihn und seine Zeitgenossen zu oft als sinkendes Schiff galt. Sicher, einige Künstler der 60er-Jahre stoßen auf große kreative Probleme und geben das auch zu.Paul McCartney Der Film und Soundtrack „Give My Greetings to Broad Street“ hat es nicht ganz aus dieser Ära geschafft; das Jetzt-ProduktiveDavid Crosby veröffentlichte nur ein Album, Oh Yes I Can; und so weiter und so fort.

Aber gilt das für?George Harrison , der auf Cloud Nine mit einem strahlenden Lächeln wieder in die Musikindustrie eingestiegen ist? Was ist mit den Kinks, die die Kurven der Arena-Rock- und Punk-Ära bewältigten und dann mit State of Confusion einen Grand Slam landeten? OderJethro Tull, deren Crest of a Knave ihnen ihren ersten GRAMMY einbrachte (zum Leidwesen vonMetallicaFans)?

Offensichtlich liegt hier eine größere Diskrepanz vor. Schauen wir uns also 10 hervorragende Alben von Künstlern an, die am meisten mit den 60er-Jahren in Verbindung gebracht werden und in den 80er-Jahren großartige Werke geleistet haben.

Glaub es oder nicht,Lennon's letztes Album – das, das uns Juwelen wie „(Just Like) Starting Over“, „Beautiful Boy (Darling Boy)“ und „Watching the Wheels“ bescherte – verdientvernichtende Kritikenbei seiner Veröffentlichung.

Insbesondere NME wünschte, Lennon hätte „seine große Glücksfalle geschlossen gehalten, bis er etwas zu sagen hatte, das auch nur annähernd für diejenigen von uns relevant war, mit denen wir nicht verheiratet waren.“Yoko Ono„Die Kritiker änderten ihre Meinung, nachdem Lennon nur wenige Wochen nach der Veröffentlichung getötet wurde. Aber selbst wenn er noch bei uns wäre (und wie süß wäre das?), würde Double Fantasy ein Meilenstein bleiben.

Stellen Sie sich Folgendes vor: Nach vier chaotischen Jahrzehnten, in denen Lennon seine Mutter jung verlor und die bedeutendste Rockband aller Zeiten gründete (und wieder auflöste), erlebte er auf einer Yacht von Rhode Island nach Bermuda ein transformierendes Erlebnis, in das ihn ein schwerer Sturm zwang mehrere Stunden alleine das Steuer zu nehmen. Er jubelte Seemannslieder und empfand es als seine Taufe.

„Ich war nach dem Erlebnis auf See so fokussiert, dass ich mich auf den Kosmos eingestellt habe – und all diese Lieder kamen!“ sagte er später. Sie waren anders als alle anderen, die er geschrieben hatte.

Es ist faszinierend, die „Beatles oder Stones?“ zu sehen. Die Debatte in den Medien versickert erneut, weil wir daran erinnert werden, dass es sich um eine falsche Dichotomie handelt.

"Die Rolling Stones„[sind] in anderen Jahrzehnten und in anderen Bereichen eine große Konzertband, als die Beatles noch nie eine Arena-Tournee oder den Madison Square Garden mit einem anständigen Soundsystem gemacht haben“,Mick Jaggersagte kürzlich . „Sie haben sich getrennt, bevor dieses Geschäft begann – das eigentliche Tourneegeschäft.“

Als ultimatives Stadion-Rock-Monument der Stones genoss Tattoo You in ihrer Diskographie schon immer hohes Ansehen. Aber jetzt, da uns eine neue 40th Anniversary Edition – veröffentlicht im Oktober über Polydor/Interscope/UMe – ein frisches Remaster bietet, können wir uns daran erinnern, dass die wahre Integrität des Albums in den Songs liegt.

„Start Me Up“ hat in einer Vielzahl von Werbespots, von Windows 95 bis zu den Olympischen Sommerspielen, neues Leben erhalten, und das liegt daran, dass seine Hookline und sein Riff unvergesslich sind. Und „Waiting on a Friend“ bleibt eine ihrer herzzerreißendsten und schwer fassbaren Melodien – eine, die nur 20-jährige Rockjäger schreiben konnten, nachdem sie mit zunehmendem Alter immer tiefer und alter wurden.

Nachdem Mitchell in den 70er-Jahren ihre große Albenserie hinter sich hatte, wirkte sie in den 80er-Jahren etwas gedämpft.

Synth-Pop-Produktion und zeitspezifische Politik hatten einen eiskalten Effekt auf „Dog Eat Dog“ von 1985; Chalk Mark in a Rain Storm aus dem Jahr 1988 basierte stark auf Duetten mitPeter Gabriel,Willie Nelson,Don Henley , und andere Superstars. (Trotzdem sollten Sie das Letzte nicht abschreiben –Courtney Barnett'saGesangsfan!)

Dennoch ist ihr erstes Album des Jahrzehnts, „Wild Things Run Fast“, ein unvollkommenes, aber zutiefst befriedigendes Album mit angesehenen Mitarbeitern, wie dem SaxophonistenWayne Shorter, GitarristSteve Lukatherund Bassist (und damaliger Ehemann)Larry Klein.

„Chinese Café“ ist einer ihrer am meisten unterschätzten, leuchtenden Album-Opener überhaupt und geht elegant in den romantischen Standard „Unchained Melody“ über. Und es kommen immer wieder Perlen hinzu, vom exquisiten „Moon at the Window“ bis zum durchdringenden „Be Cool“.

Insgesamt passt Wild Things Run Fast, wenn man die quietschenden Gitarren bei „(You're So Square) Baby, I Don't Care“ und „You Dream Flat Tires“ auf Seite 2 weglässt, perfekt zu ihren Meisterwerken der Fusion-Ära der 70er Jahre .

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Wie nur Brüder in einer klassischen Rockband aller Zeiten erleben können, führen Ray und Dave Davies seit Jahrzehnten eine zerrüttete Beziehung, sowohl kreativ als auch persönlich.

Nicht nur ihre Band, die Kinks,von amerikanischen Bühnen verbanntauf dem Höhepunkt ihres Ruhms, aber ihre brüderlichen Spannungen führten zu bizarren Vorfällen, wie zum Beispiel, als Ray auf Daves 50. Geburtstagstorte herumtrampelte.

Heute verstehen sie sich hervorragend und arbeiten an neuer Musik. Aber bei all dem Lärm in der Presse sollte man nicht vergessen, dass die Kinks grundlegende Veränderungen in der Musikindustrie besser überstanden haben als viele ihrer Kollegen. Daves Song für die Band aus dem Jahr 1984, „Living on a Thin Line“, ist ein perfektes Beispiel – er kam sogar dreimal in einer klassischen Sopranos-Folge vor.

Ebenfalls einen Grund zum Feiern aus der 80er-Jahre-Zeit: State of Confusion, ein glänzendes Pop-Album mit Anklängen an Punk und New Wave. „Long Distance“ und „Come Dancing“ sind die offensichtlichen Klassiker der Band – Rolling Stonenannte ersteres„erstaunlich dylanesk“, und letzteres, eine Ode an ihre verstorbene Schwester Rene, war ihr größter Hit seit mehr als einem Jahrzehnt.

Aber werfen Sie das gesamte Programm auf und tauchen Sie dann tiefer in die 80er-Jahre-Produktion der Kinks ein. Sie werden nicht enttäuscht sein.

Aufatmen: Viele der größten Prog-Bands sind auch im 21. Jahrhundert noch unter uns.Jethro Tullhaben bald ihr erstes Album seit Jahrzehnten herausgebracht;Genesis umrunden derzeit den Globus auf einer spannenden Reunion-Tour; das UnermüdlicheJahabe gerade The Quest veröffentlicht.

Die letztgenannte Band hat eine ungewöhnlich lange Lebensdauer hinter sich, da sie den Tod der Schlüsselmitglieder Chris Squire und Peter Banks überstanden hat und während ihrer 53-jährigen Laufzeit nur relativ kurze Pausen eingelegt hat. Und wieKing Crimson, Yes schien erst mit Anbruch der 80er Jahre Zähne zu bekommen.

Das New-Wave-Album markierte die Rückkehr des süßen Sängers Jon Anderson, der 1980 die Band verlassen hatte. Und insbesondere „Owner of a Lonely Heart“ war ein aufregender Kostümwechsel, der bewies, dass Yes ihre aufwändigen Jams problemlos in tanzbaren Pop umwandeln konnten .

Ein ... werdenStrandjungen„Diehard“ ist ein dreigleisiger Prozess: Man beschäftigt sich mit dem experimentellen 60er-Jahre-Material, erkennt, dass auch die frühen Pop-Hits und 70er-Alben vorherrschen, und dann offenbart sich ihre gesamte Geschichte als ein wunderschönes, fehlerhaftes Kontinuum.

Diese Liebesgeschichte zwischen Ihnen und America's Band bedeutet auch, ihren zentralen Engel kennenzulernen:Carl Wilson . Als ihr ansässiger Innovator,Brian WilsonEnde der 60er Jahre begann er in den Hintergrund zu treten, sein Bruder fungierte bis zu seinem Tod 1998 als leidenschaftlicher musikalischer Leiter der Band.

Zugegeben, die 80er-Jahre der Beach Boys sind nicht unbedingt die erste Ära, die Sie sich ansehen sollten. Aber es ist keineswegs eine völlige Ablehnung wert. Ihr selbstbetiteltes Album, das erste seit dem Ertrinken des Schlagzeugers (und mittleren Wilson-Bruders) Dennis, trägt eine hart erkämpfte Eindringlichkeit in sich, die es zu einem unverzichtbaren Hörerlebnis macht.

Drei Melodien verdienen besonders Ihre Aufmerksamkeit: „Getcha Back“, ein treibendes Co-Writing dazwischenMike LoveUndTerry Melcher ; „Sie glaubt wieder an die Liebe“, ein herzliches LiedBruce Johnston Ballade mit einer charmanten Yacht-Rock-Atmosphäre; und das elliptische „Where I Belong“, von dem Carl nie geglaubt hätte, dass er es wirklich fertiggestellt hätte.

Mehr lesen: Brian Wilson ist ein einmaliges kreatives Genie. Aber die Beach Boys sind mehr als nur er.

Mittlerweile hat Crest of a Knave den Ruf, Metallicas „…And Justice For All“ in einer GRAMMY-Kategorie zu schlagen, von der einige glaubten, dass sie nicht hätten dabei sein sollen: „Beste Hard Rock/Metal Performance Gesang oder Instrumental“. (Tull-Anführer Ian Anderson antwortete frech mitHerausnehmen einesPlakatwandAnzeige„Die Flöte ist ein schweres Metallinstrument.“

Das ist aus mehreren Gründen schade. „Crest“ ist nicht nur eines der härtesten Alben von Tull – insbesondere der gewaltige Opener „Steel Monkey“ –, es enthält auch durchweg eiskalte Tull-Klassiker. Hier sind die 80er-Jahre-Texturen ein Feature und kein Fehler; Die Sequenzer und die Programmierung untermauern Andersons Songs, die oft vor dem Hintergrund der Zersiedelung der Stadt angesiedelt sind.

In „Steel Monkey“ preist ein knochiger Hochhausarbeiter seine sexuellen Fähigkeiten; in „Farm on the Freeway“ verliert ein profitabler Bauer sein Generationenland an Stahl und Asphalt; Im exquisiten „Said She Was a Dancer“ macht sich ein alternder Western-Rockstar (Anderson selbst?) erfolglos an einen emotional distanzierten Moskauer ran.

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Harrison war in den 80ern solider, als Sie vielleicht denken: Allein die „Traveling Wilburys“ und „Somewhere in England“ „Life Itself“ sind den Eintrittspreis wert.

Aber jede Diskussion über sein Schaffen während des Jahrzehnts muss mit Cloud Nine beginnen, der als sein Comeback konzipiert und vermarktet wurde.Machen Sie sich über das Albumcover lustigAlles, was Sie wollen – es strahlt positive Schwingungen aus und wirbt perfekt für die farbenfrohe, von Jeff-Lynne produzierte Musik darin.

„That's What It Takes“ ist eine erhebende Ode an die Widerstandsfähigkeit; Bei „Fish on the Sand“ wünscht man sich, er hätte öfter ein klobiges Byrds-Stück gemacht; Das jubelnde „Got My Mind Set on You“ (einschließlich seines Videos) ist ein psychologisches Stärkungsmittel für jeden, der es durchmacht.

„Cloud Nine“ wäre das letzte Album, das Harrison zu seinen Lebzeiten veröffentlichen würde; sein posthumes Album Brainwashed aus dem Jahr 2002 ist ebenso, wenn nicht sogar strahlender. Was für ein Vergnügen für Harrison-Fans, dass er nach ein paar halb engagierten 70er-Jahre-Alben, die aus Frustration über die Musikindustrie entstanden waren, die Welt daran erinnerte, dass er das Zeug dazu hatte.

Das ist eigenwilligKanarischDie 80er-Jahre-Periode ist größtenteils voller Streiche und Linkskurven, aber es gibt mehr „da“ als nurmacht David Geffen wütend.

„Re·act·tor“ aus dem Jahr 1981 und „Trans“ aus dem Jahr 1982 sind fabelhaft gealtert und berühren elektronische Musik und Krautrock, während sie sich zärtlich thematisierenJung Kommunikationszusammenbruch mit seinem nonverbalen Sohn Ben. Dann gibt es da noch „This Note's For You“ aus dem Jahr 1988, seine schwungvolle, bluesige Auseinandersetzung mit Firmensponsoring.

Er machte dieses Album mit den Bluenotes, einer Gruppe alter Partner, die mit einer Blechbläser- und Stimmzungengruppe ausgestattet waren. Während es heute eine würdige Kuriosität ist, ist „Bluenote Café“, ein archiviertes Live-Album mit Ausschnitten aus Youngs Tourneen mit den Bluenotes, auf eine ganz neue Art spannend.

Die Hörner sind durchweg nicht nur eine Pastiche – sie rocken wirklich. Nach 23 mächtigen, schmetternden Songs, darunter sein Freedom-Klassiker „Crime in the City“ und das unterschätzte Epos „Ordinary People“, könnten Sie sich angenehm erschöpft fühlen.

Das heißt, wenn Sie nicht mittendrin sind, während das Publikum „Woooo!“ schreit. Während „Welcome to the Big Room“ könnten Sie aus Stein sein. Wenn Sie auf der Suche nach Auszügen aus Youngs ständig wachsender Archives-Reihe sind, riskieren Sie, dieses Buch zu verpassen.

Das am häufigsten angeheftete AdjektivLou Reed ist „streetwise“, aber New York nimmt diesen Begriff und definiert ihn wörtlich. Die rudimentären Akkordfolgen, die nach drei Gitarrenstunden erlernbar sind, scheinen in Kreide gemeißelt zu sein; Die dichten Fluten von Texten veranschaulichen das Amerika der Reagan-Ära.

„Diese Innenstadtviertel taugen nichts Gutes/ Diese Italiener brauchen eine Lektion, die man ihnen beibringen muss/ Dieser Polizist, der in Harlem gestorben ist/ Du denkst, sie würden die Warnung bekommen“, sagt der Anführer von Velvet Underground in „Romeo Had Juliette“ und die Details strömen von dort aus wie das Blut dieses unglücklichen Justizbeamten.

Tatsächlich fühlt sich „New York“ weniger wie eine Rockplatte als vielmehr wie ein Werk intensiven, fesselnden Journalismus an; Egal wo oder wann Sie damit kommunizieren, da sind Sie – mitten in den sozialen Unruhen und dem städtischen Verfall, die er beschreibt.

„Außerhalb der Stadt kreischen, schreien, flüstern/ Die Geheimnisse des Lebens“, heißt „Xmas in February“ – eine ebenso gute Zusammenfassung von Reeds bodenständiger, kopf-in-den-Äther-Kunst wie jede andere.

Daniel Lanois darüber, warum ein 1.000 Jahre alter Baum sein neues Album prägteSchwere Sonne& Zusammenarbeit mit Bob Dylan, U2

Charlie Watts im Jahr 1964

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Von seiner ersten Aufnahme mit den Rolling Stones im Jahr 1964 bis zu seiner letzten Single mit der World's Greatest Rock 'n' Roll Band im Jahr 2020 legte Charlie Watts den schwungvollen Grundstein für seine unverschämten Bandkollegen

Das immense Vermächtnis und der Einfluss von Rolling-Stones-Mitglied Charlie Watts, der weithin als einer der besten Schlagzeuger in der Geschichte der Tonträgermusik gilt, sind kaum zu überschätzen.

In der Bekanntgabe seines Todes am 24. August im Alter von 80 Jahren bezeichnete seine Band Watts als „einen der größten Schlagzeuger seiner Generation“. Paul McCartney sagte, er sei „felsenfest“. Und Elton John nannte Watts „den ultimativen Schlagzeuger“.

Watts hinterlässt eine gefeierte Karriere bei den Stones, darunter zwölf GRAMMY-Nominierungen und drei Siege, ihr jüngster GRAMMY wurde 2017 für „Blue and Lonesome“ für das beste traditionelle Blues-Album verliehen.

Im Laufe von 30 Alben entwickelte sich die Band im Laufe der Generationen weiter, angefangen bei ihrem Debüt in den frühen 60ern als junge, kämpferische Rocker, die für ihre bluesigen Cover bekannt waren, bis hin zu einem kurzen experimentellen Sound, bevor sie zu Arena-Rock-Hymnen wie „ Starte mich.

Im Laufe der Jahrzehnte spiegelten Watts und seine Bandkollegen die Klänge moderner Musik wider, ohne die scharfe Rock-Signatur zu opfern, für die die Stones berühmt wurden. Hier sind fünf wesentliche Lieder, die ein musikalisches Porträt von Charlie Watts zeichnen.

Es war das Jahr 1964, und eine zusammengewürfelte Gruppe von Musikern, die begeisterte Fans des frühen amerikanischen Blues und Rocks waren, begann gerade erst, in den Mainstream einzudringen. Ein Jahr nach ihrem ersten Auftritt im Londoner Ealing Jazz Club veröffentlichten die Rolling Stones ihre erste amerikanische Single: „Not Fade Away“, ein Cover des Buddy-Holly-Klassikers von 1957, das sie sich ganz zu eigen gemacht haben.

Die Aufmerksamkeit des amerikanischen Publikums drehte sich um, und es wurde ihre erste Single in den Billboard Hot 100, erreichte Platz 48 und brachte eine begeisterte Fangemeinde hervor. Nicht, dass es Watts etwas gebracht hätte, einem vollendeten Profi, der gegen solche Tricks immun ist.

„Mädchen, die dich schreiend die Straße entlang jagen … schrecklich! Ich habe es gehasst“, sagte er einmal im Jahr 2000 in einem Interview über die frühe Stones-Hysterie. „Es war ziemlich schmeichelhaft, schätze ich. Es ist fantastisch, vor so einem Publikum zu spielen. Für mich war das der Sinn und Zweck, auf der Straße gejagt zu werden … Das Schlagzeugspielen war alles, woran ich jemals interessiert war.“

„Honky Tonk Women“, einer der ikonischsten Rocksongs aller Zeiten, beginnt ausschließlich mit Percussion. Zuerst hören wir Stones-Produzenten Jimmy Miller an der Cowbell, gefolgt von Watts an seinem treuen Gertsch-Schlagzeug; Die beiden treiben das Lied weiter voran.

Die von Hank Williams inspirierte Melodie ist ein Beweis für die Vielseitigkeit der Stones. Im Laufe der 1960er-Jahre vollzogen sie den nahtlosen Übergang von ihren vom Blues beeinflussten Wurzeln zu Country-Gefilden.

„Honky Tonk Women“ war im turbulenten Sommer 1969 der Song Nr. 1 im Land und hat seitdem nur noch an Bedeutung gewonnen, wobei der Rolling Stone ihn als einen der größten Songs aller Zeiten bezeichnete. Darüber hinaus wurde der Hit 2014 in die GRAMMY Hall of Fame aufgenommen.

Mitten im Disco-Trend verschmolzen die Rolling Stones gekonnt die damaligen Clubrhythmen mit ihrem typischen Stil. Während „Miss You“ aus dem Jahr 1978 ein Dancefloor-Feeling vermittelt, ist das Herzstück ein gleichmäßiger Beat von Watts.

Es hat auch Qualitäten des Jazz, sei es vom frenetischen, spastischen Gesang von Frontmann Mick Jagger bis zum sanften Saxofon und der Riffing-Gitarre. Das Ergebnis war ein Zusammenfluss von Stilen, die perfekt zu Watts‘ musikalischer Stimme passten.

„Mein Ding ist es, wann immer ich spiele, einen tanzbaren Sound zu erzeugen“, sagte er 2008. „Es spielt keine Rolle, ob es ein Blues ist oder was auch immer; es sollte schwingen und hüpfen.“

Obwohl er mit den Stones zu einer weltweiten Stadionikone wurde, begann Watts seine Karriere mit einer Leidenschaft für Jazz, ein Interesse, das er nie aufgab. Er erkundete es über Nebenprojekte wie das Charlie Watts Quintett, das entspannt und zurückhaltend war – das Gegenteil dessen, was die Rolling Stones in ihren späteren Jahren wurden.

Das in den frühen 90er Jahren gegründete Charlie Watts Quintet deckte Standards aus dem Great American Songbook ab, vom Cole Porter-Klassiker „You Go To My Head“ bis zu Rodgers und Harts Standard „Bewitched“ aus dem Jahr 1941, wobei Bernard Fowler den Gesang übernahm.

„Ich liebe [Jazz] einfach“, sagte er einmal in einem Interview und nannte Charlie Parker als Inspiration. „Es war, als würden Kinder Jimi Hendrix hören: ‚Was zum Teufel spielt er?‘ Ich hörte [Parker] und dachte: Das möchte ich sein. Das möchte ich in einem Club in New York machen.“

Es ist ein Lied, das den seltenen und atemberaubenden Lauf veranschaulicht, den Watts und seine Kohorten genossen. In der Hitze des COVID-19-Lockdowns im Frühjahr 2020 brachte ihre Single „Living in a Ghost Town“ den globalen Umbruch zum Ausdruck.

Leider stellte sich heraus, dass der ausgelassene Track Watts‘ letzte Veröffentlichung als Stone nach einer fast 60-jährigen Karriere als Musiker war. Es war eine Dauer, die sich Watts selbst nie hätte vorstellen können.

„Ich dachte, sie würden drei Monate halten, dann ein Jahr, dann drei Jahre“, sinnierte er einmal über diesen unwahrscheinlichen, fast sechs Jahrzehnte dauernden Lauf. „Dann habe ich aufgehört zu zählen.“

Donovan über seine neue Single „I Am The Shaman“, seine kommende Zeichentrickserie und die Rolle des Schamanen im Alltag

Die Rolling Stones im Jahr 1972

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„Sticky Fingers“, das Chartstürmeralbum der Rolling Stones aus dem Jahr 1971, ist ein unverzichtbares und gefährliches Rock’n’Roll-Projekt, das eine Wiedergeburt der legendären Band markierte

Die Reihe hochkarätiger Drogenrazzien und Tragödien, die die Rolling Stones in den späten 1960er-Jahren heimsuchten, erreichten mit der Veröffentlichung des 11. US-Albums der Band, Sticky Fingers, im Jahr 1971 ihren Höhepunkt.

Sticky Fingers wurde inmitten der katastrophalen Nachwirkungen des Altamont-Konzerts und zwischen den bekanntermaßen ausschweifenden Konzerttourneen durch die USA und Europa aufgenommen und ist genauso roh wie das Leben der Band zu dieser Zeit. Der rauchige Kneipentanz von „Sway“, die zuckenden Riffs und rauen Vocals von „Bitch“ und das groovige, aber düstere „Brown Sugar“ spiegeln wider, wie wild der Rock'n'Roll-Ritt für die Band geworden war.

Eine Drogenrazzia im Jahr 1967, die Mick Jagger und Keith Richards in die Falle lockte, war der Auftakt zu den folgenden Jahren. Brian Jones, Mitbegründer der Rolling Stones, ertrank zwei Jahre später in seinem Schwimmbad, weniger als einen Monat nachdem die Stones ihn wegen übermäßigen Drogenkonsums gefeuert hatten, was zu einem schwindenden Engagement in der Gruppe geführt hatte; Zu den Sessions für Let It Bleed, dem zehnten US-Album der Band, das in den Monaten nach seinem Tod veröffentlicht wurde, erschien er kaum.

Begierig auf einen Neuanfang und verzweifelt auf der Suche nach Geld, spielten die Stones ein mittlerweile legendäres Konzert im Hyde Park in London und reisten in der zweiten Hälfte des Jahres 1969 zu ihrer ersten Tournee seit zwei Jahren durch die USA. Das Chaos folgte der Band und gipfelte in einem Free Konzert auf dem Altamont Speedway in den Hügeln zwischen Livermore und Tracy, Kalifornien. Das als eine Art West Coast Woodstock angekündigte Konzert mit Jefferson Airplane, Santana und den Grateful Dead markierte stattdessen das Ende der Hippie-Friedens-und-Liebe-Ära.

Zusammenstöße zwischen Mitgliedern des Motorradclubs Hells Angels, der bei der Veranstaltung als Konzertsicherheit angeheuert wurde, und Zuschauern sorgten für eine so aufgeladene Atmosphäre, dass die Grateful Dead beschlossen, nicht aufzutreten, obwohl sie bei der Organisation der Veranstaltung mitgewirkt hatten. Ein Biker griff den Jefferson-Airplane-Sänger Marty Balin an, andere zielten auf Konzertbesucher wie Meredith Hunter, die während des Stones-Auftritts vor der Bühne erstochen wurde.

Die Tragödie folgte auf den Triumph der ersten Aufnahmesitzungen für Sticky Fingers, die vier Tage zuvor im Muscle Shoals Sound Studio in Florence, Alabama, begonnen hatten.

Das Studio wurde Anfang des Jahres von einer Gruppe von Session-Musikern namens The Swampers eröffnet, die Aretha Franklin bei „Respect“ unterstützt hatten, und war hungrig auf seinen ersten Hit. Mit den Rolling Stones bekamen sie zwei: „Brown Sugar“ und „Wild Horses“, die beiden Singles des Albums, wurden zwischen dem 2. und 4. Dezember bei Muscle Shoals zusammen mit einem originalgetreuen Cover von Mississippi Fred McDowells „You Gotta Move“ aufgenommen.

„Brown Sugar“ gilt als einer der umstrittensten Songs, der es auf Platz 1 der Billboard Hot 100 schaffte, wo er im Mai 1971 seinen Höhepunkt erreichte. Musikalisch ist der Song eine Stones-Meisterklasse, die auf einem typischen Richards-Gitarrenriff aufbaut . Als Bobby Keys sein klimatisches Saxophonsolo spielt, spielen die Gitarren miteinander, Percussion und Klavier klirren darunter und Jagger heult lauthals.

Der Text des Liedes ist jedoch eine andere Sache. Obwohl Marsha Hunt, eine britische Schauspielerin afrikanischer Abstammung, mit der Jagger 1970 ein Kind zeugte, als Muse hinter „Brown Sugar“ gilt, ist das Lied voller Anspielungen und völlig expliziter Hinweise auf Sklaverei, Sex und Drogen, die nicht zu rechtfertigen waren noch vor einem halben Jahrhundert. In einem Interview mit dem Rolling Stone aus dem Jahr 1995 nannte Jagger den Text „einen Mischmasch“, der „alle fiesen Themen auf einmal“ vereint. Allerdings scheint er sich im Laufe der Jahre an seinem lyrischen Konzept abgekühlt zu haben; Im selben Interview sagte er, dass er „dieses Lied jetzt nie mehr schreiben würde“.

Am anderen Ende des Spektrums zeigen das Country-angehauchte „Wild Horses“ und die Abschlussballade „Moonlight Mile“ einen eher introspektiven Jagger, wehmütig und sehnsüchtig auf dem ersteren und reisemüde auf dem zweiten. Akustische Gitarren bilden die Grundlage für beide Songs sowie für „Dead Flowers“ und „Sister Morphine“, während zitternde Gitarren und aufsteigende Hörner den ansonsten spärlichen, flehenden Soul von „I Got the Blues“ betonen.

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Sticky Fingers markierten auch einige wichtige personelle Veränderungen im Rolling-Stones-Universum. Der Sturz und der anschließende Tod von Brian Jones veranlassten sie, den Gitarristen Mick Taylor von John Mayalls Bluesbreakers zu engagieren, der der Band neue Energie gab.

Taylor schlüpfte bei „Sticky Fingers“ voll in die Rolle, sorgte für Nuancen wie die läutenden Obertöne bei „Wild Horses“ und legte mit seinem ausgedehnten Gitarrensolo im siebenminütigen „Can You Hear Me Knocking“ über einen einzelnen Akkord die Vorlage für die Jam-Band fest Vamp. Er spielte alle Gitarren auf „Moonlight Mile“, nachdem der immer unzuverlässiger werdende Richards nicht zu den Sessions in Stargroves, Jaggers englischem Landsitz, erschien und dabei oft unter hohem Heroinspiegel einschlief. Taylor würde sich in den kommenden Jahren stärker steigern müssen, da die Gewohnheit seines Bandkollegen wuchs.

Das Ende der Beziehung der Gruppe mit dem Plattenlabel-Manager Allen Klein und seinem ABKCO-Label gab der Band ebenfalls Auftrieb und leitete die moderne Ära der Rolling Stones ein. „Sticky Fingers“ war das erste auf Rolling Stones Records veröffentlichte Album, auf dem erstmals das von John Pasche entworfene ikonische Lips-and-Tongue-Logo zu sehen war.

Obwohl Sticky Fingers genau in der Mitte dessen landeten, was viele Fans als ihre goldene Ära bezeichnen – die Vier-Alben-Serie von 1968 bis 1972, zu der auch Beggar's Banquet, Let It Bleed und Exile on Main St. gehörten –, markierten sie eine Wiedergeburt für die Rolling Stones; Das Erbe und die Wirkung des Albums würden sich in den kommenden Jahrzehnten weiterentwickeln.

Sticky Fingers schafften es 2015 nach einer umfangreichen Neuauflage-Kampagne erneut in die Top 10 der Billboard 200. Die Deluxe-Neuauflage enthält alternative Aufnahmen wie „Brown Sugar“, aufgenommen mit Eric Clapton an der Gitarre, und eine erweiterte Version von „Bitch“ sowie Live-Tracks aus dem Jahr 1971. Die Super-Deluxe-Neuauflage enthält als Bonus eine 13 Songs umfassende Live-Aufnahme von einem Auftritt im selben Jahr an der University of Leeds.

Und während die persönlichen Gewohnheiten der Bandmitglieder in der Zeit des Exile on Main St. und in den 70er-Jahren immer mehr aus dem Ruder liefen, entwickelten sich die „Rolling Stones“ als Unternehmen zu einer Aufnahme-, Tour-, Promotion- und Merchandising-Maschine. Am Ende des Jahrzehnts waren die Rolling Stones ein Stadion-Act – und seitdem haben sie nicht mehr umgekehrt.

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